Ya pasaron muchos meses desde que King Flyp hizo historia en El Salvador, pero todavía no dejo de preguntarme: ¿qué es lo que lo hace mal músico? Juega con palabras que riman lo necesario (como Calle 13 que se va por la tangente), es sincero y ridículo en sus letras como los Beastie Boys y es repetitivo en sus letras (¡pero incluso así no tanto como Eminem!). ¡Alguien que me explique, por favor!
Cada vez que escucho la versión nueva de terremoto me río en la cara de "Turrón", un DJ que obviamente no pasa de presionar los dieciseisavos de su sequencer. Una desgracia de músico, y parte de la bola de personas que salían en los medios hablando de la falta de calidad musical de King Flyp, a pesar de que si hubiera nacido en otro país, sería el próximo Yellowman o Big Boy.
Por eso mismo, me puse en mi rato de ocio a transcribir la canción de "Terremoto". La próxima vez que alguien hable mal de King Flyp en mi cara, por favor tome este pedazo de partitura de percusión e intente analizarla. Que me explique por qué ese uso brillante de síncopas es considerada mala música. Quisiera imprimir la partitura de la pieza completa, y decirle al joven de Gotera que esto que leo en papel es la definición misma del flow. Y que se jodan todos los demás.
Terremoto
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29.5.11
20.12.10
El mixtape
¿Quién no le ha dedicado canciones a alguien, solo porque sí? Mientras algunos viven un impasse de la cultura digital, me encontré con este bello ejemplo de mixtape, que es el más viejo que conozco hasta el momento:
Este buen libro es un compendio de obras que Bach compuso para que su segunda esposa, Magdalena, aprendiera a tocar, pero contiene piezas de muchos más compositores. Definitivamente un mixtape en papel. ¿Me pregunto si los autores estarán interesados en demandar a Bach por tremenda violación a los derechos de autor? Quién se cree, ese Bach.
16.8.10
La historia musical absolverá a King Flyp
Si pudiera resumir mi experiencia musical de los últimos diez años en una frase, sería probablemente "dime cómo cantas, y te diré de dónde eres". Sin embargo, en un país como El Salvador, la identidad musical parece ser un tema tan confuso como su cultura misma, lo cual lo hace uno de los lugares más peculiares del mundo: un lugar con un acento lingüístico de miscibilidad máxima, con ritmos tomados prestados de prácticamente cualquier lugar, y con raíces socio-culturales que aparecieron de la nada durante los últimos 300 años para convertirnos en lo que ahora somos. En este paraíso cosmopolita donde cualquiera es capaz a simple vista de distinguir lo que no es, su gente logró distinguirlo una vez más, en la expresión artística de un niño de dieciocho años, conocido como King Flyp. Gracioso es, el cómo miles y miles de personas parecen haber hecho notar rápidamente, y en voz unánime, su voto del "no ser" hacia el tremendo "éxito" de Abandonado. Mientras todo sucedía, muchos se preguntaron: ¿Qué es lo que King Flyp no era? Nadie parecía saberlo, pero todos parecieron estar de acuerdo en ello.
Puesto en otros términos, evitar notar el significado real de los insultos contenidos en la mayor parte de los más de 16 000 comentarios hasta la fecha en vídeo de Abandonado, es el equivalente de si la Asamblea Legislativa hubiera recibido 16 000 cartas de desaprobación por la lectura obligatoria de la Biblia en las escuelas (lo cual dudo que haya sucedido). La explosión viral del vídeo responde, claro está, a la comicidad de su contenido y sus letras, entre las que figuran:
La primera vez que tuve una grabadora en mis manos, no escuché mi voz dos veces: la odié
Mi experiencia me apunta a creer que bajo el gran fenómeno mediático, se encuentra subyacente un fenómeno cultural. Como primera impresión, el vocabulario, gestos y articulación de King Flyp describen fuertemente a una persona de extractos sociales pobres. Sin embargo, parecería que en el momento en el que su producción musical comenzaba a darse a conocer de forma local, ni siquiera las personas cercanas a él se relacionaban con su música, a pesar de ser a) de un estilo musical de gusto popular, b) con contenido relacionado a vivencias del medio y c) cantado por una persona del medio. Suficientemente irónica es la casualidad de que estas mismas razones son las que le hicieron famoso, gracias a que decenas o cientos de miles de usuarios del internet fueron capaces de reconocer instantáneamente estas cualidades.
La inversión de papeles en la identificación cultural dentro de dos sectores sociales diferentes, hacen de este un caso muy peculiar en el cual un músico gana reconocimiento por su música. Tomen los casos de tres famosos artistas sudaméricanos que se lanzaron a la fama en condiciones aparentemente similares: Wendy Sulca, Delfín y la Tigresa de Oriente. Aunque el modo en el que llegan a ser reconocidos por medio del uso de las redes sociales y bajo el cinismo de su público es similar, estos artistas se diferencian por ya haber gozado de cierto apoyo local a su música. Porque siendo honestos, ¿quién en su sano juicio pediría a una televisora que le haga un vídeo musical, si no va a tener a nadie quien le guste? Pues King Flyp, por supuesto.
Hay que admitirlo: King Flyp no fue el primero
Una de las principales críticas que el joven ha recibido se relacionan con el uso de pistas musicales de otros músicos del mismo género; gracioso me parece el hecho de que ese comentario sea hecho para un estilo musical que nació de la cultural del remix, como diría Lawrence Lessig. Esto me lleva a mi segundo ejemplo: el riddim. La música en Jamaica nació en una medio que se basaba en dos puntos fundamentales: la copia descarada de estilos musicales extranjeros, y la apropiación cultural del resultado, fuera cual fuera este. Así, el primer producto cultural después de su independencia en 1962 fue el ska, un estilo musical basado en el boogie-woogie y el mento, un estilo tradicional de la isla, todo esto dos años después, en 1964.*
Desde esa época hasta la década de los años 70, hizo uso de pistas para el desarrollo de variaciones basadas en la improvisación vocal, dando lugar al toasting, estilo precursor de literalmente cientos de géneros musicales, entre los cuales figuran el hip-hop y la electrónica. Hasta la fecha, el toasting es un estilo tan arraigado en la cultura del dancehall y raggamuffin, al punto de que existen discos enteros con un solo riddim utilizado por varios artistas para crear su ritmo. Es gracioso pensar, sin embargo, cómo un niño de San Francisco Gotera parece entender mejor que muchos otros "músicos" la escuela para la creatividad.
Yo nunca tuve beibi, y nunca me dejaron abandonado
Algo más que la cultura jamaiquina parecía entender, es que el nuevo modelo de "música tradicional" no necesariamente sigue en un cien por ciento la tendencia instrumental o incluso melódica de un lugar. Mientras que existen tradiciones que permite tener músicos como Nusrat Fateh Ali Khan manteniendo una tradición musical durante años, puede haber pequeños que bastardicen la música de su cultura misma, como Badmarsh & Shri o Asian Dub Foundation, que aunque se limitan a tomar poco de su herencia musical, se dedican a hablar sobre su realidad cultural: Naya zindagi, naya jeevan, para muchos inmigrantes cuya descendencia mantuvo indicios de su pasado cultural. En nuestro caso, la música se desliga de no solamente la herencia musical, sino del entorno cultural, convirtiéndolo en un producto relativamente vacío en términos de identificación con el medio. Si bien existen indicios de ese mismo fenómeno en países como Holanda, donde un buen porcentaje de la música producida es en habla inglesa, esto es porque busca identificarse comercialmente con los consumidores anglosajones, como un bien cultural de exportación. Cuando uno escucha letras en la radio con la que es posible identificarse, existe un gancho. Hagamos una prueba:
El rock en español de la década de los años 90 en El Salvador se desarrolló en un entorno musical de la región en la que existió un revival de la música con contenido cultural propio. Por ejemplo, México tuvo a La Ingrata, mientras que nosotros tuvimos a Juan el sobado. A pesar del gran éxito de esta música "para la gente", la música se alejó de este concepto, para tener ahora en nuestro país principalmente bandas de indie/post rock y de covers en inglés para el nuevo adulto contemporáneo que creció en la década de los 90. quizá King Flyp apareció en la década equivocada, después de todo, pues su música que habla de "beibis", de "poner tienditas" y de "andar con las chicas de hoy" ya no tiene lugar dentro de una sociedad que afirma nunca haber utilizado la palabra "beibi", comprado en una tienda, o haber "andado" con nadie.
"My lyrics, they gotta be deep? Nope, they gotta be real"
King Flyp no es el primer artista con mala voz en subirse a un escenario en el país: es el más reciente de muchos. Tampoco es el primer artista odiado en la historia. De hecho, comenté un par de veces en los grupos de Facebook sobre cómo King Flyp me recuerda a la historia de Yellowman, un negro albino que conquistó el corazón de los jamaicanos. Hay que mencionar que así como los salvadoreños silenciosamente discriminan los rasgos físicos indígenas de la cual desciende King Flyp, los jamaicanos discriminan a las personas albinas. Sin embargo, a pesar de esto, Yellowman se convirtió en un ícono del dancehall gracias a su perseverancia, llegando a ser el primer artista de Jamaica en firmar un contrato con una disquera en los EE. UU. No es porque fuera el mejor toaster de su momento, sino porque aprovechó las oportunidades que vinieron a su puerta. Será que hay que admitir que no es necesariamente el más talentoso el que va a triunfar, sino el que da a su público lo que quiere escuchar.
Conclusión, porque esto ya se me hizo largo
Ahora, una recapitulación de ideas: primero, que los salvadoreños se escuchan a sí mismos cuando escuchan a King Flyp, y aunque parecería no gustarle a muchos de entrada, su actitud frente a las críticas y habilidad para crear ritmos interesantes con sus rimas se han ganado poco a poco a sus detractores;
además, que el reggaetón está basado en un género musical que se apoya del remix de pistas musicales para la composición de nuevas canciones. Los artistas lo saben, y por eso ninguno de los artistas dueños de las pistas puede tener la solvencia moral para criticar a King Flyp por su buen uso de las pistas para la creación de canciones con contenido original. Si fuera así, que alguien me explique por qué hay cantantes hoy en día que se basan en riddims para sus composiciones, no solamente en el ámbito el dancehall, sino también para el reggaetón. Si quieren una prueba de lo que digo, acá está: Pista 1 (Sean Paul y Ce'cile), Pista 2 (Ivy Queen). Es gracias a la remezcla de sonidos e ideas que la cultura progresa, pero así como en Jamaica, India o Pakistán, la identidad musical es la que le da un verdadero valor cultural, más que las características melódicas o rítmicas;
lo cual me lleva a mi último punto: creo fielmente que King Flyp no va a ser lo mismo si se desarrolla dejando a un lado el concepto que lo hizo famoso. Si bien su música tiene el potencial para mejorar y pulirse, el verdadero valor agregado es que cante sobre su realidad. Así como Eminem, Yellowman o Lady Sovereign han sido criticados fuertemente en algún punto por sus creaciones y el contenido de sus letras, la realidad de la que hablan es real, y no un concepto que imita a nadie más. Porque honestamente, nadie necesita ver a King Flyp con carros rápidos y mujeres buenas. Él tiene un mensaje sobre la vida dura en El Salvador, y no tiene por qué avergonzarse de ella. Tiene que darla a conocer.
*Aunque la primera grabación de ska data de 1956 (Theo Beckforrd, Easy Snappin'), 1964 vio el nacimiento del género como un estandarte de la recién formada cultura jamaiquina gracias a Millie Small y su atención a nivel internacional.
Puesto en otros términos, evitar notar el significado real de los insultos contenidos en la mayor parte de los más de 16 000 comentarios hasta la fecha en vídeo de Abandonado, es el equivalente de si la Asamblea Legislativa hubiera recibido 16 000 cartas de desaprobación por la lectura obligatoria de la Biblia en las escuelas (lo cual dudo que haya sucedido). La explosión viral del vídeo responde, claro está, a la comicidad de su contenido y sus letras, entre las que figuran:
"La vitamina, la aspirina, la pinicilina [sic] (...)".El día en el que me mandaron el link del vídeo y lo escuché, mi primera reacción fue la de "¡al fin, alguien con talento!", pero frente a la respuesta incrédula de todos mis amigos que me mandaban el link con el objetivo de reírse conmigo —de él—, nunca tuve la oportunidad de explicar mis razones por las que creo que King Flyp es justamente lo que la música de nuestro medio musical necesitaba. Claro, a la fecha en la que escribo esto, parecería que su ciclo como fenómeno ha terminado, y no porque deje de ser famoso, sino porque ha sido absorbido por los medios de comunicación, y está siendo transformado en un producto más digerible para el público. Un producto cada vez menos "salvadoreño", lejos de lo que inicialmente despertó el interés de las personas. Como sea, la pregunta nunca fue respondida: ¿por qué King Flyp causa tanta gracia?
"Te busco en la casa, en la oficina, también en la casa de la vecina (...)"
La primera vez que tuve una grabadora en mis manos, no escuché mi voz dos veces: la odié
Mi experiencia me apunta a creer que bajo el gran fenómeno mediático, se encuentra subyacente un fenómeno cultural. Como primera impresión, el vocabulario, gestos y articulación de King Flyp describen fuertemente a una persona de extractos sociales pobres. Sin embargo, parecería que en el momento en el que su producción musical comenzaba a darse a conocer de forma local, ni siquiera las personas cercanas a él se relacionaban con su música, a pesar de ser a) de un estilo musical de gusto popular, b) con contenido relacionado a vivencias del medio y c) cantado por una persona del medio. Suficientemente irónica es la casualidad de que estas mismas razones son las que le hicieron famoso, gracias a que decenas o cientos de miles de usuarios del internet fueron capaces de reconocer instantáneamente estas cualidades.
La inversión de papeles en la identificación cultural dentro de dos sectores sociales diferentes, hacen de este un caso muy peculiar en el cual un músico gana reconocimiento por su música. Tomen los casos de tres famosos artistas sudaméricanos que se lanzaron a la fama en condiciones aparentemente similares: Wendy Sulca, Delfín y la Tigresa de Oriente. Aunque el modo en el que llegan a ser reconocidos por medio del uso de las redes sociales y bajo el cinismo de su público es similar, estos artistas se diferencian por ya haber gozado de cierto apoyo local a su música. Porque siendo honestos, ¿quién en su sano juicio pediría a una televisora que le haga un vídeo musical, si no va a tener a nadie quien le guste? Pues King Flyp, por supuesto.
Hay que admitirlo: King Flyp no fue el primero
Una de las principales críticas que el joven ha recibido se relacionan con el uso de pistas musicales de otros músicos del mismo género; gracioso me parece el hecho de que ese comentario sea hecho para un estilo musical que nació de la cultural del remix, como diría Lawrence Lessig. Esto me lleva a mi segundo ejemplo: el riddim. La música en Jamaica nació en una medio que se basaba en dos puntos fundamentales: la copia descarada de estilos musicales extranjeros, y la apropiación cultural del resultado, fuera cual fuera este. Así, el primer producto cultural después de su independencia en 1962 fue el ska, un estilo musical basado en el boogie-woogie y el mento, un estilo tradicional de la isla, todo esto dos años después, en 1964.*
Desde esa época hasta la década de los años 70, hizo uso de pistas para el desarrollo de variaciones basadas en la improvisación vocal, dando lugar al toasting, estilo precursor de literalmente cientos de géneros musicales, entre los cuales figuran el hip-hop y la electrónica. Hasta la fecha, el toasting es un estilo tan arraigado en la cultura del dancehall y raggamuffin, al punto de que existen discos enteros con un solo riddim utilizado por varios artistas para crear su ritmo. Es gracioso pensar, sin embargo, cómo un niño de San Francisco Gotera parece entender mejor que muchos otros "músicos" la escuela para la creatividad.
Yo nunca tuve beibi, y nunca me dejaron abandonado
Algo más que la cultura jamaiquina parecía entender, es que el nuevo modelo de "música tradicional" no necesariamente sigue en un cien por ciento la tendencia instrumental o incluso melódica de un lugar. Mientras que existen tradiciones que permite tener músicos como Nusrat Fateh Ali Khan manteniendo una tradición musical durante años, puede haber pequeños que bastardicen la música de su cultura misma, como Badmarsh & Shri o Asian Dub Foundation, que aunque se limitan a tomar poco de su herencia musical, se dedican a hablar sobre su realidad cultural: Naya zindagi, naya jeevan, para muchos inmigrantes cuya descendencia mantuvo indicios de su pasado cultural. En nuestro caso, la música se desliga de no solamente la herencia musical, sino del entorno cultural, convirtiéndolo en un producto relativamente vacío en términos de identificación con el medio. Si bien existen indicios de ese mismo fenómeno en países como Holanda, donde un buen porcentaje de la música producida es en habla inglesa, esto es porque busca identificarse comercialmente con los consumidores anglosajones, como un bien cultural de exportación. Cuando uno escucha letras en la radio con la que es posible identificarse, existe un gancho. Hagamos una prueba:
- "Nunca has comido chorizos de Cojute, nunca has puteado al cobrador del bus (...)"
- "Y ahora el chato se dirige con su pacito vacilón, hacia la puerta del cielo, farmacéutico y veloz (...) "
El rock en español de la década de los años 90 en El Salvador se desarrolló en un entorno musical de la región en la que existió un revival de la música con contenido cultural propio. Por ejemplo, México tuvo a La Ingrata, mientras que nosotros tuvimos a Juan el sobado. A pesar del gran éxito de esta música "para la gente", la música se alejó de este concepto, para tener ahora en nuestro país principalmente bandas de indie/post rock y de covers en inglés para el nuevo adulto contemporáneo que creció en la década de los 90. quizá King Flyp apareció en la década equivocada, después de todo, pues su música que habla de "beibis", de "poner tienditas" y de "andar con las chicas de hoy" ya no tiene lugar dentro de una sociedad que afirma nunca haber utilizado la palabra "beibi", comprado en una tienda, o haber "andado" con nadie.
"My lyrics, they gotta be deep? Nope, they gotta be real"
King Flyp no es el primer artista con mala voz en subirse a un escenario en el país: es el más reciente de muchos. Tampoco es el primer artista odiado en la historia. De hecho, comenté un par de veces en los grupos de Facebook sobre cómo King Flyp me recuerda a la historia de Yellowman, un negro albino que conquistó el corazón de los jamaicanos. Hay que mencionar que así como los salvadoreños silenciosamente discriminan los rasgos físicos indígenas de la cual desciende King Flyp, los jamaicanos discriminan a las personas albinas. Sin embargo, a pesar de esto, Yellowman se convirtió en un ícono del dancehall gracias a su perseverancia, llegando a ser el primer artista de Jamaica en firmar un contrato con una disquera en los EE. UU. No es porque fuera el mejor toaster de su momento, sino porque aprovechó las oportunidades que vinieron a su puerta. Será que hay que admitir que no es necesariamente el más talentoso el que va a triunfar, sino el que da a su público lo que quiere escuchar.
Conclusión, porque esto ya se me hizo largo
Ahora, una recapitulación de ideas: primero, que los salvadoreños se escuchan a sí mismos cuando escuchan a King Flyp, y aunque parecería no gustarle a muchos de entrada, su actitud frente a las críticas y habilidad para crear ritmos interesantes con sus rimas se han ganado poco a poco a sus detractores;
además, que el reggaetón está basado en un género musical que se apoya del remix de pistas musicales para la composición de nuevas canciones. Los artistas lo saben, y por eso ninguno de los artistas dueños de las pistas puede tener la solvencia moral para criticar a King Flyp por su buen uso de las pistas para la creación de canciones con contenido original. Si fuera así, que alguien me explique por qué hay cantantes hoy en día que se basan en riddims para sus composiciones, no solamente en el ámbito el dancehall, sino también para el reggaetón. Si quieren una prueba de lo que digo, acá está: Pista 1 (Sean Paul y Ce'cile), Pista 2 (Ivy Queen). Es gracias a la remezcla de sonidos e ideas que la cultura progresa, pero así como en Jamaica, India o Pakistán, la identidad musical es la que le da un verdadero valor cultural, más que las características melódicas o rítmicas;
lo cual me lleva a mi último punto: creo fielmente que King Flyp no va a ser lo mismo si se desarrolla dejando a un lado el concepto que lo hizo famoso. Si bien su música tiene el potencial para mejorar y pulirse, el verdadero valor agregado es que cante sobre su realidad. Así como Eminem, Yellowman o Lady Sovereign han sido criticados fuertemente en algún punto por sus creaciones y el contenido de sus letras, la realidad de la que hablan es real, y no un concepto que imita a nadie más. Porque honestamente, nadie necesita ver a King Flyp con carros rápidos y mujeres buenas. Él tiene un mensaje sobre la vida dura en El Salvador, y no tiene por qué avergonzarse de ella. Tiene que darla a conocer.
*Aunque la primera grabación de ska data de 1956 (Theo Beckforrd, Easy Snappin'), 1964 vio el nacimiento del género como un estandarte de la recién formada cultura jamaiquina gracias a Millie Small y su atención a nivel internacional.
30.12.09
310/365 » El propósito
Cada año existen metas por ser superadas. Hace exactamente un año, decidí aprender a tocar Drifting, y no me fue tan mal. ¿Pero qué tal si me propongo algo más interesante?
Algo como aprender a tocar esto:
Usando esto:
Imposible, yo sé. Por eso lo pienso hacer.
Algo como aprender a tocar esto:
Imposible, yo sé. Por eso lo pienso hacer.
28.12.09
308/365 » Unodeunoyotrodeotro
Hallé otra inspiración en la música clásica. Los que jugaron Zelda, tienen que recordar esta canción:
Ahora comparen con esto:
http://www.youtube.com/watch?v=LlvUepMa31o#t=2m35s
Sí se parecen, ¿verdad?
Ahora comparen con esto:
http://www.youtube.com/watch?v=LlvUepMa31o#t=2m35s
Sí se parecen, ¿verdad?
12.12.09
292/365 » Las piezas
Casualmente me topé por casualidad con una idea que parecería matar la noción de la improvisación como un acto inconsciente y que trasciende el pensamiento racional del ser humano. ¿Saben de qué hablo, verdad? Es el hecho de admitir que un artista no pierde el control de la lógica durante el proceso creativo, y que en realidad lo utiliza en todo momento para crear sus obras.
Estaba leyendo ahora temprano sobre cómo la música de Ravel inspiró al desarrollo del jazz modal, y me puse a escuchar un par de sus piezas, hasta que noté algo que me llamó la atención. Escuchen solamente los 5 segundos que toca el flautista en esta pieza:
http://www.youtube.com/watch?v=mrOJcEHXYWM#t=1m33s
Ahora compárenlo con lo que compuso Miles Davis en So What. ¿Les parece similar de alguna manera?
http://www.youtube.com/watch?v=DEC8nqT6Rrk#t=3m40s
Y es que de repente, se convierte en algo totalmente nuevo. Eso es creativo.
Estaba leyendo ahora temprano sobre cómo la música de Ravel inspiró al desarrollo del jazz modal, y me puse a escuchar un par de sus piezas, hasta que noté algo que me llamó la atención. Escuchen solamente los 5 segundos que toca el flautista en esta pieza:
http://www.youtube.com/watch?v=mrOJcEHXYWM#t=1m33s
Ahora compárenlo con lo que compuso Miles Davis en So What. ¿Les parece similar de alguna manera?
http://www.youtube.com/watch?v=DEC8nqT6Rrk#t=3m40s
Y es que de repente, se convierte en algo totalmente nuevo. Eso es creativo.
14.9.09
203/365 » Haunt me
Whenever I'm fast asleep
Both of these beautiful things waylay
My assiduous search for peace.
If you show up in my dream
I beg you my love, hold up your words
Oblivion returns quite soon.
Then a pitch to be hinted
To wake up with fright, reach for my keys:
"C... I was right all along."
Both of these beautiful things waylay
My assiduous search for peace.
If you show up in my dream
I beg you my love, hold up your words
Oblivion returns quite soon.
Then a pitch to be hinted
To wake up with fright, reach for my keys:
"C... I was right all along."
4.9.09
193/365 » La iluminación de Trane
"I don't know how to put it. Hyperbole, but I had the thought that if I could live inside that song I'd find salvation. Like I said, hyperbole, but it speaks towards what I really mean."
Quizá alguno de ustedes recuerda lo que hablé en el día 7. Este post tiene mucho que ver, simplemente porque aún no dejo de pensar en ello. Es que mucho se dice sobre A Love Supreme, el más famoso de los discos de John Coltrane. Así fue como me decidí a escucharlo; y vaya que me encontré con una gran sorpresa al revisar el disco y solo encontrar cuatro canciones. "¿Cuatro, y qué rayos es esto?", me repetía mientras escuchaba la entrada de Acknowledgment, la primera canción. Parecería que el inicio de la canción es la única parte que tiene una melodía que suena "familiar" a mi gusto. Después de esto, parecería que Coltrane cierra los ojos y se pierde en sí mismo. Después de un poco de lectura, me doy cuenta que no estoy nada equivocado al respecto.
Tengo que advertirles que no se debe tanto a la complejidad o la calidad de "hito" de esta composición, sino a la historia detrás de ella. John Coltrane, sin duda alguna, es considerado por los críticos como uno de los mejores músicos que han caminado sobre este planeta. Aparte de ese talento extraordinario y la precisión en la ejecución de su saxofón de que practicó durante años y años con mucho esmero y dedicación para lograr tal habilidad y majestuosidad en sus interpretaciones, mucho tuvo que ver el hecho de que vivió en una época dorada que revolucionó la concepción misma de la música.
En resumidas cuentas, este fue un artista que inspiró a muchos durante las últimas cinco décadas, que se lució junto a muchos otros grandes músicos con habilidades fuera de este mundo. El mejor modo de describir la sensación que ellos viven al tocar su música la encontré en este video de Miles y Trane (en serio, no es necesario verlo, pero si disfrutan del jazz, háganse un favor y disfrútenlo), donde una de las escenas más cautivantes es la del tipo fumando un cigarro en el minuto 1:05. Es bastante fácil suponer que tras ese bokeh animado se puede enmarcar un estilo de vida muy representativo de cualquier músico de la era moderna. Escuché a mi mamá comentar al respecto sobre eso en alguna ocasión, de cómo los artistas tarde o temprano requieren de alguna carga emocional que dé cabida a su inspiración. Quizá no sea tan así, quién sabe, pero sí es seguro que la creación artística lleva consigo mucho de lo que lleva el artista dentro de sí. ¿Es por tanto, el arte, un producto de la inspiración puramente humana? Para muchos, A Love Supreme es prueba de lo contrario.
La historia de cómo Trane compuso este disco es fácil de contar, está en muchos lugares: John Coltrane era altamente drogadicto. En un momento de crisis de su vida, buscó la dirección de Dios como un modo de superar su adicción y estado emocional. Lo que sucedió después de esto es algo que nadie más que él sabe, ya que se encerró en una habitación de su casa durante varios días y noches. Su esposa, quien se tomó la tarea de llevarle comida durante todo este tiempo, mencionó que el día en el que Coltrane bajó, le dio la impresión de ser una persona cambiada: "cual Moisés bajando del monte con las tablas de de la Ley". El resultado de la experiencia que Coltrane vivió parece estar descrita en A Love Supreme. Un disco diferente a los demás, especialmente para un músico que llegaba al estudio con ideas dispersas, dispuesto a improvisar sin rumbo. Este disco, en cambio, llevaba una idea clara, un propósito: la plática de Coltrane con Dios. Grabado en unas cuantas horas, estos cuatro movimientos son interpretados gracias a los títulos de las canciones y la historia detrás de su composición.
Como introducción, Coltrane reconoce (Acknowledgement); esta pieza me llama la atención en el modo en el que se refiere a Dios musicalmente, repitiendo "A love supreme" con su saxofón, una plática musical que es descaradamente al punto que las palabras del final se vuelven innecesarias, un modo de humillarse no por medio de empequeñecerse, sino reconociendo la grandeza de Dios.
La segunda parte es la decisión, el pacto (Resolution), con un solo que descarga tanta emoción como Coltrane debió haber dejado ir en sus momentos de angustia y soledad; una oración sin duda bastante difícil, en la cual inicia con una idea dura pero clara en mente, la cual poco a poco se desarrolla en un sonido cada vez más reconfortante a medida que la pieza avanza.
Como tercera parte de su oración, se encuentra la perseverencia en sus palabras (Pursuance), porque dentro del camino a la libertad, es muchas veces inevitable caer y fracasar una y otra vez. Un camino con alturas y llanuras, y que a medida avanza cae en la conclusión de la necesidad de la constancia en la búsqueda por la iluminación.
Por último, Trane agradece a Dios por haber recibido, aquello que muchos llaman "iluminación". Sea lo que Coltrane recibió, parece ser más que el conocimiento o el poder, una reafirmación de la idea que comenzó la historia: ¿a quién más puedo acudir, sino a ti? Coltrane recita, con su saxofón, el siguiente salmo:
Quizá alguno de ustedes recuerda lo que hablé en el día 7. Este post tiene mucho que ver, simplemente porque aún no dejo de pensar en ello. Es que mucho se dice sobre A Love Supreme, el más famoso de los discos de John Coltrane. Así fue como me decidí a escucharlo; y vaya que me encontré con una gran sorpresa al revisar el disco y solo encontrar cuatro canciones. "¿Cuatro, y qué rayos es esto?", me repetía mientras escuchaba la entrada de Acknowledgment, la primera canción. Parecería que el inicio de la canción es la única parte que tiene una melodía que suena "familiar" a mi gusto. Después de esto, parecería que Coltrane cierra los ojos y se pierde en sí mismo. Después de un poco de lectura, me doy cuenta que no estoy nada equivocado al respecto.
En resumidas cuentas, este fue un artista que inspiró a muchos durante las últimas cinco décadas, que se lució junto a muchos otros grandes músicos con habilidades fuera de este mundo. El mejor modo de describir la sensación que ellos viven al tocar su música la encontré en este video de Miles y Trane (en serio, no es necesario verlo, pero si disfrutan del jazz, háganse un favor y disfrútenlo), donde una de las escenas más cautivantes es la del tipo fumando un cigarro en el minuto 1:05. Es bastante fácil suponer que tras ese bokeh animado se puede enmarcar un estilo de vida muy representativo de cualquier músico de la era moderna. Escuché a mi mamá comentar al respecto sobre eso en alguna ocasión, de cómo los artistas tarde o temprano requieren de alguna carga emocional que dé cabida a su inspiración. Quizá no sea tan así, quién sabe, pero sí es seguro que la creación artística lleva consigo mucho de lo que lleva el artista dentro de sí. ¿Es por tanto, el arte, un producto de la inspiración puramente humana? Para muchos, A Love Supreme es prueba de lo contrario.
La historia de cómo Trane compuso este disco es fácil de contar, está en muchos lugares: John Coltrane era altamente drogadicto. En un momento de crisis de su vida, buscó la dirección de Dios como un modo de superar su adicción y estado emocional. Lo que sucedió después de esto es algo que nadie más que él sabe, ya que se encerró en una habitación de su casa durante varios días y noches. Su esposa, quien se tomó la tarea de llevarle comida durante todo este tiempo, mencionó que el día en el que Coltrane bajó, le dio la impresión de ser una persona cambiada: "cual Moisés bajando del monte con las tablas de de la Ley". El resultado de la experiencia que Coltrane vivió parece estar descrita en A Love Supreme. Un disco diferente a los demás, especialmente para un músico que llegaba al estudio con ideas dispersas, dispuesto a improvisar sin rumbo. Este disco, en cambio, llevaba una idea clara, un propósito: la plática de Coltrane con Dios. Grabado en unas cuantas horas, estos cuatro movimientos son interpretados gracias a los títulos de las canciones y la historia detrás de su composición.
La segunda parte es la decisión, el pacto (Resolution), con un solo que descarga tanta emoción como Coltrane debió haber dejado ir en sus momentos de angustia y soledad; una oración sin duda bastante difícil, en la cual inicia con una idea dura pero clara en mente, la cual poco a poco se desarrolla en un sonido cada vez más reconfortante a medida que la pieza avanza.
Como tercera parte de su oración, se encuentra la perseverencia en sus palabras (Pursuance), porque dentro del camino a la libertad, es muchas veces inevitable caer y fracasar una y otra vez. Un camino con alturas y llanuras, y que a medida avanza cae en la conclusión de la necesidad de la constancia en la búsqueda por la iluminación.
Por último, Trane agradece a Dios por haber recibido, aquello que muchos llaman "iluminación". Sea lo que Coltrane recibió, parece ser más que el conocimiento o el poder, una reafirmación de la idea que comenzó la historia: ¿a quién más puedo acudir, sino a ti? Coltrane recita, con su saxofón, el siguiente salmo:
I will do all I can to be worthy of Thee O Lord.El mensaje poderoso de este disco, no fue apreciado en vivo por más que un par de ocasiones. Sin embargo, el mensaje alcanzó a muchas personas. Desde Jason Mraz hasta Bono, y millones de personas que han hecho de este, uno de los discos de jazz más exitosos de la historia. Es así cómo el mensaje de su vida ha llegado a muchas personas. Ahora, ¿será que todos obtienen el mismo mensaje? La respuesta es no. Como cualquier mensaje, el receptor lo interpreta a su manera. Es así que mientras algunos no pueden dejar de pensar en la grandeza de la creación, otros piensan en Coltrane como un buen soundtrack para el LSD. Como sea, hay algo de lo que sí me siento seguro cuando escucho a Coltrane: hay mucha gente buscando "algo", después de todo.
It all has to do with it.
Thank you God.
Peace.
There is none other.
God is. It is so beautiful.
Thank you God. God is all.
Help us to resolve our fears and weaknesses.
Thank you God.
In You all things are possible.
We know. God made us so.
Keep your eye on God.
God is. He always was. He always will be.
No matter what…it is God.
He is gracious and merciful.
It is most important that I know Thee.
Words, sounds, speech, men, memory, thoughts,
fears and emotions — time all related…
all made from one…all made in one.
Blessed be His name.
Thought waves — heat waves-all vibrations –
all paths lead to God. Thank you God.
His way…it is so lovely…it is gracious.
It is merciful — thank you God.
One though can produce millions of vibrations
and they all go back to God…everything does.
Thank you God.
Have no fear…believe…thank you God.
The universe has many wonders. God is all.
His way…it is so wonderful.
Thoughts–deeds–vibrations, etc.
They all go back to God and He cleanses all.
He is gracious and merciful…thank you God.
Glory to God…God is so alive.
God is.
God loves.
May I be acceptable in Thy sight.
We are all one in His grace.
The fact that we do exist is acknowledgement
of Thee O Lord.
Thank you God.
God will wash away all our tears…
He always has…
He always will.
Seek Him everyday. In all ways seek God everyday.
Let us sing all songs to God.
To whoma all praise is due…praise God.
No road is an easy one, but they all
go back to God.
With all we share God.
It is all with God.
It is all with Thee.
Obey the Lord.
Blessed is He.
We are from one thing…the will of God…
thank you God.
I have seen Godd–I have seen ungodly–
none can be greater–none can compare to God.
Thank you God.
He will remake us…He always has and He
always will.
It is true–blessed be His name–thank you God.
God breathes through us so completely…
so gently we hardly feel it…yet,
it is our everything.
Thank you God.
ELATION–ELEGANCE–EXALTATION–
All from God.
Thank you God. Amen.
"Coltrane's commitment is in his sound, and as Charlie Parker says, "If you don't live it, it ain't gonna come out." John Coltrane represented getting to the Promised Land without the needle. He took the keys from hell with his sound, telling us that we don't have to do drugs in order to be connected anywhere from the microcosm to the top of the galaxy. He made a different kind of commitment with music.
Bob Marley did this with the groove and the lyrics and so was able to produce a type of intoxication. But Coltrane went another kind of way. His sound is the sound I most like; it has no shadows. Sometimes it's hard to hear. I say to myself, "O God, I only have two ears and a heart!" It's like 240 voltage while the rest of us are running on 120. (...)
When you hear this second kind of Coltrane music, the only way you can describe it is the way you would describe Machu Picchu in the Andes mountains. It's a whole other level of high consciousness that causes the slicksters and the hipsters and anyone else to say, "Hey, this is not coming from an intellectual trip or some dude trying to show off."
When he starts a solo with his saxophone,
it actually sounds like his heart is made out of light,
and it is coming out of the horn; the horn is rumbling,
and all of the keys are shooting off light.
Coltrane has come the closest to connecting the alpha to the omega through sound." --Carlos Santana
25.8.09
183/365 » Apreciación
A diferencia de lo que muchos piensan, una canción emocionante de inicio a fin no es tan buena.
Quizá sea yo, pero noto que las personas inteligentes adoramos los conflictos y resoluciones.
Eso debe explicar por qué la mayoría de artistas son infelices.
Quizá sea yo, pero noto que las personas inteligentes adoramos los conflictos y resoluciones.
Eso debe explicar por qué la mayoría de artistas son infelices.
21.7.09
7.6.09
104/365 » Síncopa
Es una de las cosas que más nos llama la atención y nos motiva.
Tiene el mismo efecto que la gente que sonríe lento, que los números primos y las manos de póker.
Es emocionante e impredecible.
Es música.
Tiene el mismo efecto que la gente que sonríe lento, que los números primos y las manos de póker.
Es emocionante e impredecible.
Es música.
1.6.09
099/365 » 311 - Band Profile
Esto es complemento a mi post en Campo Pagado. Disfruten el nuevo disco: Uplifter, que sale a la venta justamente ahora. El artículo que leen es mío, pero lo escribí hace más de un año, por lo que no menciona el nuevo disco. (:
When people ask me what style of music do 311 play, I tend to answer differently every single time. It’s not just about recognizing the influences, or noticing the puns and references; it’s about understanding and enjoying music as a whole, because that’s what music is all about. In their case, “the whole” seems to be something too complex for it to fit in a few words definition. That is the way artists feel about their creative effort, like a collage of ideas put together to create something new. The thing is, 311 has managed to make many people from our generation feel, as spectators, the same way a creative artist would, perceiving their music in such a different way every time we experience it.
History
Development
Conclusion
Note: "Sweet and sour like a tangerine" is part of a Beastie Boys' song: 3 MC's and One DJ.
When people ask me what style of music do 311 play, I tend to answer differently every single time. It’s not just about recognizing the influences, or noticing the puns and references; it’s about understanding and enjoying music as a whole, because that’s what music is all about. In their case, “the whole” seems to be something too complex for it to fit in a few words definition. That is the way artists feel about their creative effort, like a collage of ideas put together to create something new. The thing is, 311 has managed to make many people from our generation feel, as spectators, the same way a creative artist would, perceiving their music in such a different way every time we experience it.
They have been together playing for almost 20 years, taking ideas and experimenting from a wide variety of styles and bands, creating such a definite and recognizable sound. With influences that range from 80’s rock to very obscure Jamaican dancehall tunes, their path has been made by not being afraid of trying with new possibilities, and staying true to the way they define music as a true group of friends.
History
311 came to life on 1988 as all of the members grew up on Omaha, Nebraska, with a group consisting of Nick Hexum (singer) and Chad Sexton (drums) on a band called “Unity”. After failing on getting signed on Los Angeles, Chad came back to Omaha and started hanging out with P-Nut (bass) and Jim Watson (guitar). After few months, Hexum came back from LA, the time when 311 was born. Hexum decided to start a record company called What Have You Records, which would release three of their albums. However Watson left the band after Dammit! was released, so the spot was filled by Tim Mahoney, releasing Hydroponic and Unity. In that time, their friend SA Martinez had performed many times with the band, so he ended up being a full time member. This would be the lineup that would last for over 16 years. The band moved to LA and signed a contract. That was the start of their professional career, in which they would release ten studio albums and one live album.
Development
The style adopted by the band can date back to many other bands that successfully managed to achieve a mix of rock and rap music, being Red Hot Chili Peppers (formed in 1983) one of the most important names. However, 311 achieved a way to set aside from the rest, by visualizing their music on a different concept: music as being fun to listen, and with a positive message. That concept has been a constant element in all of their albums. Their first two albums, Music (1993) and Grassroots (1994), explore the use of dancehall reggae and musical improvisations in their songs, as well as consistent rap verses. Their third album brought them into the fame: 311 (1995) is focused on a raw sound and catchy lyrics in their songs, which became instant hits in the United States. Two years later, Transistor (1997) was released. Not as mainstream and famous as their previous album, Transistor experiments on dub and experimental rock, and it’s considered by many to be their best album so far, despite their limited success. After a Live (1998) album, Soundsystem (1999) is a more radio-friendly album, merging the influences of Transistor and driving them into a more melodic ground. The tendency was followed by From Chaos (2001), by creating reggae-oriented tunes. Their follow-up, Evolver (2003) is an album that takes elements from all albums into a very varied result. Finally, Don’t Tread on Me (2005) is their latest album, leaving most of the rap signing aside, and showing more melodic tunes.
Conclusion
Due to their work on tours and their huge creative effort on making albums consistently, they have earned a very solid fan base that supports them. Also, their live shows are very well known not only for the energy and musicianship of the band, but for their extended setlists. 311 day, for example, is a special day for the band and fans. Every two years, on March 11 (last one on 3-11-08), the band performs a special show for the fans, playing sometimes around 75 songs during more than 4 or 5 hours.
As in many things in life, musical styles and tastes change over time. However, the commitment to stay true to one’s beliefs and to the fans might be a good reason why 311 always have the motivation to create a yet new and exciting experience. The blend of sour and acid rap with a sweet and mellow tune is what makes 311 the band that it is today: forever young, fun and creative.
Note: "Sweet and sour like a tangerine" is part of a Beastie Boys' song: 3 MC's and One DJ.
22.5.09
088/365 » McKee vs. Radiohead
He llegado a la conclusión de que muchas veces me es más fácil hacer las cosas complicadas que las cosas sencillas. O quizá es cuestión de concentración. Pero simplemente no soy capaz de tocar piezas a 60bpm mientras las toco sin problema al doble de velocidad. Igual, toda la vida me va mal en los exámenes para los que estudio como bestia. La paciencia es una habilidad aprendida, y vaya si cuesta lograr alcanzarla.
Puesto de otra forma, muchas veces son distintos los procesos mentales que rigen el modo en el cual realizamos ciertas actividades. Tomemos el alfabeto como ejemplo. Imagínense que les piden recitarlo completo, lo más rápido que puedan: "A, B, C, D, E, F...". ¿Pero qué tal si les preguntan de forma repentina qué letra sigue después de la K, por ejemplo? ¿Notaron que algunas veces tienen que recibar mentalmente esa parte del alfabeto? Así es como funciona el cerebro. Así es como logré memorizarme los colores de las resistencias eléctricas:
Nuestro cerebro puede guardar información ya sea por el significado abstracto del elemento a ser almacenado (por ejemplo, al pensar en el número tres, representan en su mente un valor abstracto del número), o por un factor relacionado a la comunicación (por ejemplo, el símbolo 3, o las letras del nombre). Así, estudiar para un examen es sencillo cuando uno recita y memoriza piezas completas del material de estudio, o se aprende las fórmulas a ser usadas; o puede dedicarse a comprender el razonamiento inherente a los conceptos y demás elementos cognitivos del material. Otro buen ejemplo son las tablas de multiplicar. Sin importar qué tan bueno sea para multiplicar, o el idioma que haya usado durante los últimos años, parece ser inevitable para todos el volver a recitar el rezo en nuestro idioma natal para poder saber el resultado de siete por nueve. Así es esto.
¿Cuál método de memorización es mejor? Quién sabe. Lo que es seguro, es que mientras me va mal en los exámenes por intentar comprender y no memorizar, al tocar música me pasa exactamente lo contrario: memorizo piezas largas y complicadas, y fallo muchas veces en su comprensión. A la larga, con la práctica y la experiencia se logra completar el aprendizaje. Es cuestión de saber valorar cuál nos es más útil a corto o a largo plazo.
Así de complicado es todo esto.
Puesto de otra forma, muchas veces son distintos los procesos mentales que rigen el modo en el cual realizamos ciertas actividades. Tomemos el alfabeto como ejemplo. Imagínense que les piden recitarlo completo, lo más rápido que puedan: "A, B, C, D, E, F...". ¿Pero qué tal si les preguntan de forma repentina qué letra sigue después de la K, por ejemplo? ¿Notaron que algunas veces tienen que recibar mentalmente esa parte del alfabeto? Así es como funciona el cerebro. Así es como logré memorizarme los colores de las resistencias eléctricas:
"Negro, rojo, café, naranja amarillo, verde, azul, violeta, gris, blanco..." ♫
Nuestro cerebro puede guardar información ya sea por el significado abstracto del elemento a ser almacenado (por ejemplo, al pensar en el número tres, representan en su mente un valor abstracto del número), o por un factor relacionado a la comunicación (por ejemplo, el símbolo 3, o las letras del nombre). Así, estudiar para un examen es sencillo cuando uno recita y memoriza piezas completas del material de estudio, o se aprende las fórmulas a ser usadas; o puede dedicarse a comprender el razonamiento inherente a los conceptos y demás elementos cognitivos del material. Otro buen ejemplo son las tablas de multiplicar. Sin importar qué tan bueno sea para multiplicar, o el idioma que haya usado durante los últimos años, parece ser inevitable para todos el volver a recitar el rezo en nuestro idioma natal para poder saber el resultado de siete por nueve. Así es esto.
¿Cuál método de memorización es mejor? Quién sabe. Lo que es seguro, es que mientras me va mal en los exámenes por intentar comprender y no memorizar, al tocar música me pasa exactamente lo contrario: memorizo piezas largas y complicadas, y fallo muchas veces en su comprensión. A la larga, con la práctica y la experiencia se logra completar el aprendizaje. Es cuestión de saber valorar cuál nos es más útil a corto o a largo plazo.
Así de complicado es todo esto.
18.4.09
12.3.09
018/365 » El valor de la interpretación
Más de lo que me gustaría admitir, hay una sola razón por la cual la gente disfruta la música sencilla sobre la complicada: la capacidad de percibir las emociones del artista y de identificarse con ellas. De haber sabido eso, hubiera dedicado tanto año de mi vida a tocar "los pollitos" con cara de éxtasis artístico. Por suerte, no fue así.
Ahora aprendí: las personas que han estudiado música por más de 10 años perciben las emociones de forma diferente. Y después de más de 12 años de apreciar la música como un arte, puedo decir que lo importante no es tanto la calidad técnica de una pieza, sino la emoción que el artista le imprime a su ejecución. ¿Cómo se logra eso? Pues esta ponencia por Evelyn Gennie, una percusionista sorda, es un buen inicio a cómo se puede comprender la música en un modo más subjetivo e interesante (es un video largo, pero vale la pena).
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